1925’te Başkan Coolidge ünlü bir şekilde “Sonuçta Amerikan halkının ana işi iştir. Dünyada üretmek, satın almak, satmak, yatırım yapmak ve gelişmekle derinden ilgileniyorlar. ” Pragmatizm açısından, bu beyan bugün bile Amerikalılar için geçerlidir. Bu nedenle, 2020 baharında Arizona Üniversitesi’nde “Sanat, Ekonomi ve Girişimcilik” başlıklı bir üst bölüm semineri tasarladım ve yönettim. Bir filozof ve sanat tarihçisi olarak, sanatsal ifade ve iş dünyası arasındaki ilişkiyi keşfetmek ilgimi çekti.
Sanatın toplum ve vatandaşlık için önemi, en azından 1950’lerden beri önemli ölçüde azaldı. Bu iyi bilinen durumu, onu sıradan insanların deneyimlediği gündelik yaşamlarla ilişkilendirerek ele almayı umuyordum. Öğrencilerden görsel sanatların ve klasik müziğin iş dünyasına nasıl katkıda bulunabileceğini ve bunun tersine ekonomi ve girişimciliğin estetik eğitimde nasıl yardımcı olabileceğini düşünmelerini istedim.
Kurs, ekonominin temel ilkelerini, sanatın biçimsel unsurlarını ve gerçek dünyadaki girişimci bir girişime nasıl yaklaşıldığını gözden geçirirken kültür, yaratıcılık, güzellik ve insan gücü fikirlerine yansıdı. Serbest piyasaların tarihine, müzelerin ve müzayede evlerinin gelişimine ve tüm bu alanlarda ahlakın rolüne baktı.
Bunlar eko-estetik kesişim açısından zengin alanlardır. Bununla birlikte, ilginç bir şekilde, sınıftaki en duyarlı konu, yüksek sanat ile düşük sanat arasındaki ayrım üzerine bir tartışmaydı – esas olarak yüksek bir kültürlenmiş “zevk” duygusuyla yetiştirilen sanat ile popüler bir izleyici kitlesi için ticari olarak üretilen sanat arasındaki ayrım. Nihai makalelerin tümü, bir dereceye kadar bu konuyu ele aldı.
İkilik, Tyler Cowen’in kitabının tartışılmasıyla tanıtıldı. Ticaret Kültürüne Övgü. Cowen, sanatsal yaratıcılık ve çıktıdan para kazanmanın kültür için olumlu bir güç olduğunu savunuyor. Sanatçıların “maddi ve manevi getirilerin karmaşık bir karışımını takip ettiklerine” inanıyor. Buradaki argüman, ticari/popüler kültürün aslında yüksek kültürle yakından çalıştığı ve hatta onu ürettiğidir. Bu tartışma dizisi, Beethoven, Mozart, Rembrandt, Shakespeare ve diğer tanınmış yüksek sanat figürleri gibi sanatçıları pazar odaklı, popüler sanat figürleri olarak gösteriyor. Sanatsal alanda ticarileşmenin rolüne ilişkin iyimser görüşü, sanatın metalaştırılmasını yozlaşmış bir güç olarak gören yaygın bir “kültürel karamsarlık” olarak dile getirdiği şeye karşıdır.
Argüman, gittiği yere kadar adil. Tıpkı kapitalist bir toplumda, sosyo-ekonomik ve kültürel alanlar arasında sert ve hızlı bir çizgiyi tutturarak, yoksulların zengin ve zenginlerin yoksullaşabilmesi gibi, sanata bakmanın üretken bir yolu değildir. Estetik görüşün öznelliği, yüksek ve düşük sanat arasında böylesine kemikleşmiş, neredeyse Platonik bir ayrımı uygulanabilir bir şekilde savunulamaz hale getirir.
Öte yandan, sanat için ücret almak veya halk desteğine sahip olmak, bugün bildiğimiz pop ticarileştirilmiş kültürle aynı şey değil. Bugün anladığımız şekliyle pop kültürü, Walter Benjamin’in ünlü tabirini kullanırsak, kayıt teknolojilerinin ya da “mekanik yeniden üretim çağında sanat eserinin” çoğalmasıyla gerçekten somutlaştı.
Bu, yüksek ve düşük sanatlar arasındaki ayrımın tamamen uydurma veya göreli olduğu anlamına gelmez. Yediğimiz bazı şeyler gerçekten diğerlerinden daha iyidir. Bence burada beslenme metaforu en uygunu (yüksek sanat ortamlarında “tat” kelimesini kullanmamızın bir nedeni var). Nasıl ki bazı besinler birey için daha iyi/sağlıklıysa, zihinsel ve duygusal olarak tükettikleri için de aynı şey geçerlidir.
Abur cubur yiyebilir çünkü tadı güzeldir, hemen bulunur ve eğlencelidir. Ama eğer öyleyse tüm kişi yutarsa bu kötü olur ve bunu sağlık sorunları kaçınılmaz olarak takip eder. Öncelikle büyüme ve yenilenmeyi besleyen ve yardımcı olan şeyler tüketilmelidir. Vücudu sağlık ve mutluluğa doğru ilerleten beslenme bu açıdan insan için daha iyidir. Aynı şekilde, bir kişinin estetik girdileri yalnızca pop veya rock müzik, korku filmleri, gangster rap, hip hop, death metal, albüm kapakları, grafiti sanatı ve benzerlerinden oluşuyorsa, kalbi ve zihni için en iyisini yapmıyor demektir. Yüksek kaliteli sanat, zihinsel ve duygusal büyümeyi teşvik etme ve kişinin ruhunu yükseltme yeteneğine sahiptir, buna “yüksek sanat” denmesinin önemli bir nedeni vardır. Ekonomik faaliyet, değerli olduğu düşünülen şeylerin değiş tokuşundan biridir ve yüksek sanatın savunucuları, onun artan deneyimsel mübadelesinin doğal olarak değerli.
The Beatles’a girin. Seminer sırasında öğrencilere, görsel bir yardım olarak yukarı doğru sivrilen bir gökdelen kullanarak çeşitli isimleri ve sanat eserlerini hiyerarşik bir ölçekte yerleştiren internetten bir grafik gösterdim. Örneğin, Howard Stern ve pembe diziler daha geniş alçak sanat zemin katlarındaydı; bale ve Hamlet dar yüksek sanat katlarındaydı. Öğrencilerden yüksek sanat olarak kabul edilebileceklerini düşündükleri çağdaş bir müzikal ya da görsel sanatçı seçmelerini istedim. Birçok cevap geldi, ancak tüm Beatles’ın yüksek sanat olarak kabul edilmesi gerektiğini düşündü.
Bunu büyüleyici buldum, çünkü sınıftaki bireylerin hiçbiri yirmi iki yaşından büyük değildi. Dolayısıyla gençlik nostaljisi onların kararlılığında bir etken değildi. Kabul etmek gerekir ki, yüksek sanat kavramı, öğrencilerimin çoğuna antikacı ya da modası geçmiş görünüyordu. Birçok müzik türünü ve neslini hemen yan yana getiren YouTube videolarını izleyerek büyüdüler. Kişinin kimliğini münhasıran tanımlayan bir kuşak müziği fikri artık geçmişte kaldı.
Charles Murray ve Daniel Asia gibi kültür eleştirmenleri, bir sanatçının veya sanat eserinin insanlığın kültürel mirasına kalıcı bir katkı olarak kabul edilip edilemeyeceğini belirlemenin yaklaşık elli yıl (iki nesil) aldığına inanıyor. The Beatles 1970’de, seminerin başlamasından tam elli yıl önce dağıldığında, grubun yüksek sanat saflarına girip giremeyeceğini belirlemenin zamanı geldi gibi görünüyordu.
Gerçekte, gruba hiç bu kadar bağlanmadım ve bu yüzden tartışmacı titizlik iddiasını geri çevirmek benim için zor olmadı. Beatles’ın, kökünde yüksek sanat gibi “kuruluş” kavramlarına karşı duran 1960’ların karşı kültürünün bir parçası olduğuna dikkat çektim. “İhtiyacınız olan Her Şeyin Sevgi Olduğu” bir dünya yaratmaya çalışırken hippilere katıldılar. Bu kadar yıkıcı kültürel bağlara sahip bir grup nasıl kültürel olarak yüksek olarak kabul edilebilir? Tanım gereği saçma görünüyor.
Çürütme, The Beatles’ın tarihin en iyi grubu olarak kabul edilmesidir. Gerçekten de, CBS’ye göre, şarkıları eski ve yeni müzisyenler tarafından en çok coverlananlardan bazıları, Billboard Hot 100’e ulaşan en fazla single’a (21) sahipler, sekiz Grammy Ödülü, bir Akademi Ödülü aldılar ve listede yer aldılar. Time Magazine’in yirminci yüzyılın en etkili 100 kişisi. 1964’te The Ed Sullivan Show’daki görünümleri, yetmiş dört milyon kişi tarafından izlenen Amerikan kültür tarihinde bir dönüm noktasıydı.
Rock efsanesi Tom Petty için, “Hayallerinizin elinizin altında olduğunu bize gösteren, ilişki kurabileceğimiz ilk insanlar onlardı.” Los Angeles Times Lisesi’nden genç bir yazar olan Esther Yang, “The Beatles’a olan sevgim sayesinde matematikten çok edebiyata ilgi duymaya başladım. The Beatles’a olan sevgim sayesinde, sosyal medya için her anı belgelemek yerine hayatımı yaşamaktan zevk alıyorum. The Beatles’a olan sevgim sayesinde yaratıcı bir özgürlük duygusu geliştirdim ve sık sık kendimi yeni fikirlerle uğraşırken ve zor sorunlara yeni çözümler üretirken buluyorum.”
Böyle kalıcı ticari, duygusal, nesiller arası ve popüler başarı nasıl olabilir? olumsuzluk estetik mükemmelliğe bağlı olmak, söylendi.
Cevap, bence, sanatla kültürel olarak yükselmenin ne anlama geldiği konusunda yatıyor. Roger Scruton’a göre sanat ve eğlence arasında bir fark vardır. Birincisi fikirlerle ilgilidir. Önemli olan sanat eseri ve onun sunumunun insanı güzelliğin “daha yüce diyarına” nasıl getirdiğidir. Tersine, eğlence tamamen etkiyle ilgilidir. Kişi eğlendirilmezse, deneyim bir başarısızlık olarak kabul edilir. Bu yüksek sanat için geçerli değildir. Bir resim veya müzik parçası, “zorlu” veya çekici olmasa bile başarılı ve kalıcı olabilir (örneğin, Francisco Goya’nın çalışmasına bakın). Beatles eğlencelidir (TV kliplerinde gördüğümüz tüm çığlık atan kadınları düşünün). Müzikleri bazen dokunaklı olabiliyor (Dün ve kara kuş akla gelmek). Başkalarına şarkılarını kopyalamaları için ilham verebilirler. Ama sonuçta bunlar fikirler değil etkilerdir. Bu nedenle, bizim anladığımız geleneksel şekilde yüksek sanat olarak kabul edilebileceklerini düşünmüyorum.
Ancak bu bizi en başa geri getiriyor. “Yükseltilmiş sanat”ın solan bir standart olabileceğini kabul etmeliyiz. Klasik müzik, edebiyat, resim ve heykel gibi yüksek sanatlar, herkesin tanıdığı ve takdir ettiği ortak bir kültürü oluşturuyordu. Büyük ölçüde, hem bir ölçüt hem de kendimizi etrafında birleştirebileceğimiz bir damgayı temsil ettiler. Bizi birbirimize bağlayan tek şey yüksek sanatlar değildi, ancak bu tür klasik yaratıcılık eserlerini bilmenin ve deneyimlemenin değeri evrensel olarak kabul edilmiş gibiydi. Kültürel tarih öğreten bizler için, durumun artık böyle olmadığı konusunda kendimize karşı dürüst olmalıyız.
Sonuçta, olsa da, Beatles buzdağının sadece görünen kısmı. Beatles bir sorun çünkü geleneksel olmayan ancak etkili diğer sanatçılara ve yüksek sanat olarak düşünülecek eserlere kapı açıyorlar. Seminerimdeki öğrenciler Pink Floyd, Banksy’yi işaret etti. Berbat, vaftiz babası, Celine Dion ve diğerleri de yüksek sanat yarışmacıları olarak. Antik Mısır sembolizminin bok böcekleri (ya da bok böcekleri, kelime oyunu amaçlı) gibi bu sanatsal varlıklar, ticari başarının alt dünyasından ortaya çıkabilir ve toplumsal olarak kutsalın yüksek alemi ile ilişkilendirilebilir mi? Belki elli yıl içinde daha fazlasını öğreneceğiz.
Robert Edward Gordon
Robert Edward Gordon, Arizona Üniversitesi Özgürlük Felsefesi Merkezi’nde Yardımcı Araştırmacı Profesördür ve burada kültür konularındaki uzmanlığını çok çeşitli araştırma alanlarına taşımaktadır: Asya sanatı ve felsefesi, sanat ve ekonomi, özgürlük ve estetik, sanat ve yoksulluk ve hümanist coğrafya.
UArizona’nın Budist Çalışmaları Merkezi’nde öğretim üyesidir ve Fred Fox Müzik Okulu’nda Yardımcı Öğretim Üyesidir. Yazıları The Wall Street Journal, the Athenaeum Review, the Japanese American National Museum Traveling Exhibit, hakemli dergiler Philosophies, Space and Culture ve Social Philosophy & Policy ve başka yerlerde bulunabilir.